El Museo de Arte e Historia de Ginebra ha presentado recientemente una exposición que ha estado preparando durante los últimos cinco años: una muestra póstuma de la obra del artista moderno turco Burhan Doğançay.

La exposición, titulada Los muros de Burhan Doğançay, presenta más de 50 piezas donadas por la viuda del artista, Angela Doğançay, después de su muerte en 2013. Su regalo cumple su deseo de compartir su trabajo con museos que preserven su arte para las generaciones futuras. más allá de los intereses privados del mercado.

En una sola pared de este museo de renombre clásico, todas sus obras de arte están enmarcadas, excepto una. La pieza sin marco, Gerber’s Baby – Ben Zion St., es un collage hecho de materiales que incluyen arena, café, periódico, metal y humo, reunidos mientras Doğançay fotografiaba los muros de Israel para sus composiciones.

Entre las obras de arte agrupadas y la pieza sin marco, se muestra un libro de bocetos preliminares, que demuestra la comprensión de Doğançay del diálogo entre pintura y fotografía.

Mientras obtenía su doctorado en economía en la Universidad de París, Doğançay estudió arte en la L’Académie de la Grande Chaumière a principios de los años cincuenta. A pesar de sus éxitos, sus compañeros artistas en Turquía y Estados Unidos lo considerarían un outsider.

La obsesión profesional de Doğançay por las paredes comenzó poco después de su llegada a Nueva York en 1962, cuando, en un paseo por la zona residencial, se le apareció la estética modernista que definiría el trabajo de su vida mientras apreciaba el arte público colectivo de objetos efímeros acumulados colgados en las murallas de la ciudad.

Su viuda recuerda una iniciativa temprana que resultaría ser el catalizador de su proyecto más largo, que más tarde se convertiría en su serie Walls of the World: invitado por un colega israelí del servicio diplomático, abordó un avión con destino a Tel Aviv en 1975. Regresó a casa con maletas llenas de carteles sucios, arrancados de las paredes urbanas de Tel Aviv y Jerusalén.

La intención de Doğançay era producir obras de arte modernas utilizando elementos encontrados durante sus viajes, combinados con fotografías que registraran sus observaciones. Adaptó los métodos del escote, en los que las imágenes surgen de procesos de fragmentación.

En total, Ángela acompañó a su marido a 16 países, viajando por Sudamérica, partes de África y por toda Europa. Recuerda que cuando estuvo en Suiza, Doğançay se dio cuenta de las estrictas leyes locales relativas a la propiedad pública. Él mismo evitó diligentemente contravenir las normas; en lugar de eso, le pidió que arrancara carteles de las paredes. Su participación es sólo un ejemplo de su compromiso de toda la vida con la producción y difusión de su obra de arte.

“Iba de galería en galería con su portafolio, tratando de organizar exposiciones”, le dice a The Parliament. “Un día, cuando estaba de viaje, (envié un correo electrónico al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York para) ofrecerle un portafolio de sus litografías del Tamarind, un prestigioso taller en Los Ángeles. Le pregunté a la Met si estarían interesados ​​e inmediatamente regresaron y me dijeron que sí”.

Eso fue en 2004. La exposición actual en Ginebra fue recibida con igual entusiasmo por quienes trabajaban en el Museo de Arte e Historia de la ciudad, aunque apreciaban más el proceso de Doğançay que el resultado final.

“El arte contemporáneo no es mi fuerte”, admite Bénédicte de Donker, medievalista de formación y una de las comisarias de la exposición de Doğançay. “En términos de artesanía, no estoy muy impresionado. Es bueno pero nada fuera de lo normal. Estoy más interesado en su proceso, el hecho de que fotografió paredes en 114 países y lo que hizo con su archivo, cómo lo transformó en su obra”.

En lo que respecta a las obras de la exposición, a De Donker le llamó la atención la gama de colores y la universalidad de la señalización mural que acumuló Doğançay, creando un vocabulario visual global. En ese sentido, la exposición plantea la noción de que, en lugar de dividir, los muros pueden significar unidad.

Doğançay se inspiró en la ola de arte pop que arrasó Nueva York en la segunda mitad del siglo XX a través de artistas como Andy Warhol y Robert Rauschenberg.

“Se pueden ver algunas similitudes” entre su obra y la de Rauschenberg, dice Yahşi Baraz, un marchante de arte turco que conoció a Doğançay en 1975 y expuso su exposición individual ese año, tras su regreso de Israel. “Su nombre no aparece en los nuevos libros de realismo. No aceptan su estilo. Estoy sorprendido”, añade Baraz. “Es una mezcla de arte pop y graffiti. El tiempo lo mostrara.”

Regresó a casa con maletas llenas de carteles sucios, arrancados de las paredes de Tel Aviv y Jerusalén.

Doğançay había tomado cursos de arte mientras completaba su doctorado en economía en la Universidad de París. Su padre, Adil Doğançay, también fue un pintor con formación militar procedente de Estambul, que le transmitió su pasión por los óleos y los viajes.

Mientras el París de la posguerra se tambaleaba por la pobreza y la nostalgia, el mundo del arte global se trasladó de Europa a Estados Unidos. En la década de 1960, ya estaba definida por nombres como Jackson Pollock, Mark Rothko y Robert Motherwell, justo a tiempo para que Doğançay mostrara pinturas junto a Jasper Johns, Andy Warhol y Willem de Kooning, representando a Turquía en la exposición World Show en las Washington Square Galleries en Nueva York. En 1963 renunció a su trabajo como burócrata y se dedicó por completo al arte.

“En 1945 (hizo sus) primeros intentos de ser famoso como artista en Estados Unidos”, explica Baraz. “Cuando Burhan llegó a Nueva York en 1962, todo el mundo estaba tranquilo”, añade, recordando sus numerosos viajes a Nueva York con Doğançay en los años 1970. “Los críticos de arte estadounidenses sabían quiénes eran los artistas estadounidenses. No aceptaron el nombre de Burhan como artista estadounidense”.

Rauschenberg también fue una gran influencia en Tel Aviv, dice Leah Abir, curadora de Tel Aviv. “Los muros fueron una gran referencia, especialmente para el grupo de Tel Aviv. Hay muchas reconsideraciones sobre los años 70, principalmente la posguerra. Doğançay parece muy ‘ingenuo’”, dice, usando un término del mundo del arte que significa ‘no entrenado’. “Puedes encontrar anuncios, textos e impresiones en el arte israelí”, añade, “pero luce completamente diferente”.

En 1975, Doğançay subió las escaleras de la recién fundada Galería Baraz, que todavía se encuentra en la misma dirección en Estambul. Cautivado por su afinidad por el modernismo y su carácter amigable, Baraz se hizo amigo de Doğançay y organizó su primer espectáculo, fundamental para las carreras de ambos. Doğançay se vendió bien y luego se convirtió en el primer artista turco en la colección permanente del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Hubo una reacción violenta dentro del relativamente enrarecido mundo del arte de Turquía. Los artistas locales lo veían como un outsider de Nueva York, un abogado y burócrata sin formación formal en una escuela de arte. Los coleccionistas, al parecer, tenían otras ideas. En 2009, su pieza Sinfonía en azul se vendió por 1,7 millones de dólares (1,6 millones de euros).