En 1973, el Bronx en la ciudad de Nueva York era uno de los barrios más peligrosos de los Estados Unidos. Robos, atracos y asesinatos formaban parte de la vida cotidiana de los residentes. Los jóvenes se organizaron en pandillas callejeras, tomaron el control de sus cuadras y pelearon entre sí.
El Bronx estaba en llamas, literalmente. Los bomberos tenían que apagar con regularidad los incendios en los bloques de viviendas, ya que los propietarios utilizaban los incendios provocados para especular con las primas de los seguros.
Las calles estaban llenas de escombros y chatarra; los parques abandonados atrajeron a narcotraficantes, proxenetas y prostitutas. Todo el vecindario se estaba desmoronando, con muchos edificios residenciales vacíos y cada vez más deteriorados.
Como escribió el reportero gráfico Allan Tannenbaum en un ensayo que describía su experiencia personal en la zona, a principios de la década de 1970, el Bronx y otras partes de la ciudad de Nueva York, como el Lower East Side, Bedford-Stuyvesant o Harlem, parecían ciudades europeas después de la década de 1970. Segunda Guerra Mundial.
Había una gran pobreza, y la mayoría de los residentes vivían de la asistencia social. No porque no quisieran trabajar, sino porque no había ningún empleo.
Los que podían permitírselo huyeron del barrio, pero también tenían que encontrar un propietario que les alquilara un apartamento en otro lugar. Aunque la segregación racial se abolió oficialmente en los EE. UU. a principios de la década de 1970, muchos blancos no querían vivir junto a los afroamericanos y continuaron discriminándolos, lo que dificultó que los negros cambiaran su situación. El racismo estructural también contribuyó al hecho de que fueron predominantemente afroamericanos y latinos los que se quedaron en los barrios socialmente desfavorecidos y abandonados.
Una fiesta de adolescentes se convierte en un mito fundacional
“En ese momento, la ciudad de Nueva York estaba casi en bancarrota. Realmente no había nada que los niños pudieran hacer”, recuerda Cindy Campell en un video producido por la casa de subastas Christie’s, que está realizando una subasta especial para conmemorar el 50 aniversario de la fundación del hip-hop. .
En ese momento, Campbell estaba en la escuela secundaria y, para poder comprar ropa para el nuevo año escolar, decidió organizar una fiesta. La entrada para los niños era de 50 centavos, mientras que las niñas pagaban 25 centavos, según el volante de su “DJ Kool Herc Party”.
DJ Kool Herc era su hermano de 18 años, Clive Campbell.
Entonces, el 11 de agosto de 1973, DJ Kool Herc arrastró su sistema de sonido, que constaba de dos tocadiscos, un mezclador, un amplificador y un conjunto de altavoces, a la sala comunitaria del edificio de viviendas en 1520 Sedgwick Avenue en el Bronx.
El olor a marihuana estaba en el aire. El bajo bombeaba y desgarraba a la multitud sudorosa mientras bailaban y festejaban en la habitación a oscuras. El amigo de DJ Herc, Coke La Rock, tomó el micrófono, saludó a los invitados y comenzó a rapear.
Esto más tarde le valió la reputación de ser el primer “MC” (Maestro de Ceremonias).
Vinieron alrededor de 50 personas, amigos y jóvenes del barrio. Vivieron la primera fiesta de hip-hop de la historia, antes de que se acuñaran términos como hip-hop o rap.
Cómo DJ Kool Herc creó nuevos sonidos
Ser DJ no era nada especial, y rapear tampoco era nuevo. El comediante estadounidense Pigmeat Markham ya había lanzado una canción, el sencillo “Here Comes the Judge”, con palabras habladas rítmicas en 1968.
Lo revolucionario de la técnica de DJ Kool Herc fue que creó nuevas pistas usando las partes instrumentales de otras canciones, rompiendo con la batería y el bajo. Dado que esos descansos líricos suelen ser muy cortos, DJ Kool Herc simplemente usó una segunda copia del mismo disco en otro tocadiscos para alargar los extractos, reproduciéndolos uno al lado del otro. Llamó a esta técnica el ” tiovivo ” y, por lo tanto, desarrolló un sonido nuevo y extremadamente bailable hecho de pausas.
De ahí también proviene el término breakdancer, que se refiere a aquellos que bailan con la música generada a partir de los descansos.
DJ Kool Herc mezcló diferentes estilos de música en sus actuaciones. No revelaba qué discos estaba usando, para asegurarse de que la gente siguiera viniendo a sus fiestas para escuchar su sonido exclusivo.
Heredó su pasión por la música de su padre, que era un ávido coleccionista de discos y tenía discos de jazz, gospel y country en casa. DJ Kool Herc también estaba interesado en el soul, así como en la música disco moderna. Siempre estaba buscando sonidos a partir de los cuales pudiera crear un ritmo, la base para una buena pista de hip-hop.
Las fiestas se hicieron cada vez más grandes
El DJ había encendido fuegos artificiales en los tocadiscos y la noticia se extendió rápidamente por todo el Bronx. Todo el mundo acudía a las fiestas de Herc, recuerda la rapera Coke La Rock en la serie documental de Netflix “Hip-Hop Evolution”: asesinos, ladrones, bailarines y gente normal acudían a los eventos, que finalmente se trasladaron a las calles y parques cuando el salón se convirtió en demasiado pequeño.
Las fiestas de barrio eran una característica habitual en la ciudad de Nueva York en la década de 1970. Las farolas de la calle a menudo se aprovechaban para suministrar electricidad al sistema de música.
Para sobresalir como DJ, tenías que ser ruidoso, y DJ Kool Herc tenía los altavoces más grandes y ruidosos del vecindario.
Hip-hop: más que solo música
Desde el principio, el hip-hop no fue solo un género musical, sino toda una cultura, que abarcaba el DJ, el rap, el breakdance, el graffiti y el conocimiento. Todo se juntaba en las fiestas de DJ Kool Herc. Solo una razón más por la que la legendaria fiesta en Sedgwick Avenue se considera el nacimiento del hip-hop.
Cualquiera que quisiera escuchar hip-hop tenía que venir a las fiestas de barrio, porque a mediados de la década de 1970 los álbumes de hip-hop no estaban disponibles para la venta, ni tampoco la música en la radio.
No fue hasta 1979 que “Rapper’s Delight” de The Sugarhill Gang se convirtió en la primera canción de hip-hop en llegar a las listas estadounidenses. Es una canción que ahora se considera un clásico, al igual que “The Message” de Grandmaster Flash & The Furious Five, que salió en 1982 y habla de la vida en el gueto de Nueva York.
“El hip hop ha sido la Voz de los sin voz, la historia de las comunidades marginadas, donde la gente puede contar historias sobre las desigualdades sociales que están ocurriendo en las comunidades, comunidades negras y marrones. No solo aquí en Estados Unidos sino en todo el mundo”, dijo. Rocky Bucano, director del Universal Hip-Hop Museum de Nueva York, en un video promocional de la inauguración prevista del museo en 2024.
En un video de la serie de videos web “Black History in Two Minutes”, la cineasta Ava DuVernay llamó al hip-hop la “CNN de la comunidad negra”, porque informa poéticamente sobre todo lo que los negros experimentan en la vida cotidiana.
Del nicho a la corriente principal
Muchos raperos estadounidenses que han llegado a la cima no provienen de la clase media, sino de los entornos pobres donde se originó el hip-hop.
Pasando de la subcultura a la corriente principal, el hip-hop es ahora uno de los géneros musicales más populares del mundo, con superestrellas como Tupac, The Notorious BIG, LL Cool J, Public Enemy, Beastie Boys, Wu-Tang Clan, Timbaland , Jay-Z, Dr. Dre, Nas, Eminem, Nicki Minaj, Lil Wayne, Drake, Missy Elliott, Snoop Dogg y Kendrick Lamar, por nombrar solo algunos.
Desde Estados Unidos, la cultura hip-hop se ha extendido por todo el mundo, influyendo en la música, la moda, el cine, la publicidad y el arte.
En Alemania, donde también se ha desarrollado con el tiempo una escena de hip-hop con diferentes tendencias, el hip-hop es realmente una cultura política: en 2017, incluso se creó un partido político de hip-hop. Todavía tiene que entrar en el parlamento alemán.
